Notocias, aunque no creo que al día pero que me resultan interesantes

Hola a todos,

como ya me sentía un poco mal por no actualizar y que el mes pasado sólo pusiera dos cosas, y una de ellas personal, se me hacía un poco raro y, poco entregada la verdad.


Como versa el titular os pondré de aquellas noticias que he ido recopilando estos últimos días y que me parecen interesantes. Para estar bien informados os recomiendo que veáis sitios como Animation Magazine, que ponen mucha información profesional y fiable.


La primera es que Rich Ross, presidente de los estudios Walt Disney, dimitió el pasado mes de abril por culpa de la escasa recaudación de John Carter. Según fuentes de Box Office Mojo, la película costó 250 millones de dólares y recaudó en todo el mundo 270 (redondeando). Teniendo en cuenta que el Estados Unidos recaudó sólo 69 millones, podríamos decir que fue un fracaso pues las películas estadounidenses centran su recaudación más en su país que en el resto. La verdad es que en estos últimos años a los directivos de la compañía no les va muy bien.


La segunda, es sobre un vídeo blog de Bill Plympton. Es un señor quizá conocido por aquellos que os gusta más el cine de autor, animación adulta y de autor. A mi me resulta interesante lo que hace, aunque reconozco que en los 80-90 tuvo un poco más de importancia. Ha hecho alguna autopromo de MTV y muchos cortos. Lo interesante de este vídeo blog es que él explica cosas interesantes. Por ahora sólo tiene la introducción, pero si sigue subiendo, será interesante de ver, sobre todo aquellos que queráis aprender. A los que os apasione el CGI, quizá no es lo que buscáis, pero hay que saber ver de todo y aprender de las bases. Al menos es lo que siempre he pensado. Os adjunto la dirección para que os paséis a ver: http://scribblejunkies.blogspot.com.es/ http://vimeo.com/plymptoons http://www.youtube.com/user/Plymptoons

La siguiente trata sobre el festival de cine que hubo en Málaga la semana pasada. En sí todos los festivales están bien, te culturizas, ves cosas nuevas, etc. Si habla de animación mejor, pero si habla de forma realista aún mejor. No sé si todo esto será por intentar abrir un nuevo mercado dentro del audiovisual español, o la nueva producción de Kandor Graphics, la productora de Antonio Banderas. No sé realmente qué motivo sería el que movió a este festival a promocionar la animación como algo "chachi guay". Leí un artículo de El País sobre lo bien que iba y el nicho que cubría. Pero sinceramente, opino que está igual de tocado que el resto del cine español. No me considero una admiradora hasta la muerte del cine español, pero tampoco lo pienso dejar de lado. Eso es lo que no se debe hacer, pues es nuestro a pesar de todo y lo que pienso que se debe de hacer es mejorarlo, luchar porque se hagan buenos contenidos. En estos últimos años he visto películas que no están mal, y parecía que se empezaba ha hacer un cine más actual, más abierto, quizá como el francés. Pero ahora, con los presupuestos que se han establecido lo vamos a llevar claro, pues han recortado un 35% en ayudas. El cine español no tiene el mismo tipo de financiación que en Estados Unidos, que yo sepa. Una de sus principales fuentes para poder producir son las ayudas del ICAA (Isntituto Cinematográfico de las Artes Audiovisuales) y del Ministerio de Cultura. ¿El por qué han hecho esto? No sé si será por que el nuevo gobierno no es simpatizante del cine porque casi todos hicieron "la ceja" o porque no tienen amigos suficientes que se dediquen a este oficio y promulguen sus ideales. El caso es que la tijera está ahí.
Pero volviendo al festival de Málaga, decían que el sector estaba muy bien, que iba en aumento y que íbamos camino de reemplazar a los países nórdicos en animación (exageración mode On). Si eso fuera así, ¿por qué apenas se ha sabido nada de producciones españolas recientes? Yo apenas he oído hablar de la película Copito de Nieve, o de El Apostol (que este año creo que la presentan en Sitges). Además de que quizá la única productora que iba medianamente bien era Zinkia (Pocoyó) y ha hecho un ERE hace nada para despedir a 26 trabajadores. ¿Por qué nos mienten? Quizá la salida sea por el merchandising, táctica empleada por las películas de Disney, Pixar y Dreamworks con la que nos colman los catálogos infantiles de  cualquier cosa estampada con los personajes de la película. En mi teoría personal ganan más dinero así que con las entradas o los DVD.


Bueno, después de esta retahíla, pongo la última noticia interesante. Hay nuevo trailer de Brave. Cómo me gustaría que la sacaran ya. Me encanta la protagonista, pues es una chica como deberíamos de ser todas, libres, autosuficientes, fuertes... Lo siento por los que apoyan incansables a las Princesas. Os dejo el trailer más largo y último que han sacado. La pena es que está en inglés, pero bueno, estas cosas son así.

Me despido de vosotros, y hasta dentro de poco.

Los 12 fundamentos de la animación

Hola a todos,

Siento la tardanza para poner el artículo. Como os había adelantado esto va sobre los fundamentos de la animación. Como comprobaréis sólo hay nueve. ¿Eso quiere decir que he sido perezosa y no he puesto todos? No, no es eso. Lo que pasa es que muchos de ellos se repiten en la base y antes que poner más información de la debida, preferí poner solo nueve. El número de fundamentos puede variar según los autores, pero el contenido es el mismo.


Estos principios fueron desarrollados a finales de los años veinte del siglo pasado, sobre todo, por
los animadores de dibujos de Estados Unidos. Estas técnicas se basan de manera intuitiva en hechos
de la física, en concreto, de la dinámica:

1) Claridad en la acción o en la puesta en escena (staging): Lo que quiere decir es que los
hechos no sean tapados por objetos o personajes, que la acción sea clara, con tendencia a la
exageración, antes de que no se comprenda.

2) Acción secundaria (Secondary Action): Son acciones que acompañan a una acción
principal y que son consecuencia o están ligadas a ésta. Suelen estar más desfasadas para tener
mayor credibilidad. Como ejemplo tenemos la ropa, que se mueve al son del personaje cuando camina.

3) Anticipación: Toda acción está constituida por tres actos: introducción, desarrollo y
conclusión. La anticipación es igual a la introducción y sirve para poner en situación al
espectador ante el desarrollo. Puede referirse a un movimiento o un concepto de la puesta en
escena. Por ejemplo, mirar hacia arriba antes de un movimiento de cámara ascendente.

4) Continuidad de la acción (Overlaping): Con esta continuidad se trata de evitar un efecto
mecánico en los movimientos. Según se va terminando una acción se encadena con la
siguiente.

5) Terminación de la acción (Follow though): La manera correcta de finalizar una acción
sería ir parando cada elemento desde lo principal a los secundario. De esta forma evitaremos
el efecto mecánico.

6) Líneas de acción (Arcs): Son guías que se trazan de manera curvilínea para guiar el trabajo
de los dibujos intercalados entre las poses clave, para que sean lo más fluidas posibles. Visualmente, son las especie de curvas que aparecen en un movimiento muy rápido.

7) Aplastar y estirar (Squash and Stretch): Se utiliza para representar la inercia mediante la
compresión y el estiramiento del objeto, que variará según las cualidades del material con
que esté hecho. Se basa en las leyes de Newton, que refrescaré a continuación:
1. Todo cuerpo permanece en su estado de reposo o de movimiento rectilíneo uniforme a
menos que otros cuerpos actúen sobre él.
2. La fuerza que actúa sobre un cuerpo es directamente proporcional a su aceleración.
3. Cuando un cuerpo ejerce una fuerza sobre otro, éste ejerce sobre el primero una fuerza
igual y de sentido opuesto.
Este principio se usa para enfatizar el cambio en la materia cuando se dan los principios de
Newton.

8) Aceleración y deceleración (Slow in and out): Un objeto cuando inicia un movimiento
sufre una aceleración progresiva, mientras que al finalizar sufrirá una desaceleración
igualmente progresiva. Para conseguir este efecto habrá más dibujos por fotogramas en la
desaceleración y a la inversa para una mayor aceleración.

9) Atractivo (Appeal): Como todos los contenidos audiovisuales, hay que hacer un trabajo
atractivo. Nuestros personajes tienen que serlo, al igual que la forma de presentarlos y
animarlos. Para poder comunicar bien hay que hacer contenidos que atraigan a las personas.

Podríamos decir que los principales son éstos. Realemte el de "Appeal" no sé hasta qué punto es imprescindible, pues puedes hacer un personaje realmente feo y que tenga éxito. Un ejemplo bastante bueno sería Alf, ¡pero bien que se le ha querido! Y si el trabajo que hagas es para ti, realmente es secundario que le guste a la gente. También es cierto que tal como está la tecnología y las redes de comunicación, casi cualquier cosa que subas a Youtube, Vimeo, etc. habrá a alguien que le guste, aunque sólo sea a 10. Así que todo depende de hacia qué lo enfoques, si un éxito comercial o a un proyecto personal. Ninguna de las dos opciones es mala.

A continuación os dejo un vídeo que explica siete de los principios. Dentro de lo que cabe es el mejor que he encontrado, pero veo que tendré que hacer uno dentro de poco. Por cierto, hablando de los vídeos, hace poco me he estado peleando con el Premiere Pro para hacer alguna cosa, pero la presentación que quería hacer es una porquería, caca, chusta... como queráis llamarlo. Tendré que cambiar de idea y de forma de proceder. ¡Espero tener más actualizado esto y que paséis una buenas vacaciones!

Futuros proyectos

Hola a todos.

Últimamente me estoy rebanando la cabeza para ver cómo puedo poner lo de los proyectos de la mejor manera posible y creo que tengo la solución. Creo que lo más fácil es mostrarlo en vídeo, como un tutorial, para que así no sea un post eterno y quizá lioso. El problema es que tendré que aprender a usar Adobe Premiere, lo cual me da un poco de miedo y pereza al mismo tiempo. Espero que para no dentro de mucho pueda poner ya las cosas... Mil disculpas por esta tardanza.
También me gustaría poner para esta semana alguna entrada sobre técnicas. Ya os adelanto que será sobre los 12 principios, que creo que es algo básico para animar bien.

En fin, espero no tardar mucho en hacer esto que os he comentado y que podáis tener los contenidos para estos días, que vienen ya las vacaciones y habrá más tiempo. Yo en principio tengo el mismo, como estoy de vacaciones perpetuas desde navidad... La verdad es que tengo delito.

¡Un saludo para todos los que os pasáis! À bientôt! See you soon!

Walt Disney (3)

Imaginaos principios de 1930 en Estados Unidos: atmósfera de jazz, coches de grandes guardabarros con ruedas blancas y radiadores plateados; hombres en traje con sombrero y mujeres ataviadas con largos vestidos entallados, donde las películas eran en blanco y negro sonoras, a pesar de que se atisbaba ya algo del color. Esto es si nos fijamos en la parte idealizada y positiva, pero no hay que olvidar que en esa época el país seguía afectado por la crisis del 29 y la amenaza de la inminente Segunda Guerra Mundial. En este ambiente vamos a contar lo referente a la factoría Disney entre los años 1931 y 1940.

En 1932 el cineasta y empresario ganó su primer Oscar y en diciembre del 33 nació su hija Diane Marie. Además, en este periodo el ratón Mickey se convirtió en un auténtico fenómeno de masas. El dinero que ganaba su creador compensaba lo que no ganaba en la taquilla. De 1931 a 1935, el estudio produjo cincuenta y dos cortometrajes. Disney tuvo que negociar con United Artists, a principios de la década, para tener un uso exclusivo del technicolor, ya que Universal rehusó de aportar 15.000 dólares como adelanto del rodaje de cada corto. Estos cortometrajes seguían teniendo como inspiración los cuentos y novelas populares, solo que esta vez no son sinfonías, sino Mickey y sus amigos, como Goofy, Donald y Pluto. Estaban también otros personajes, además de Clarabella y Horacio; como Peter y Patricia Pigg, la perrita de Minnie llamada Fifi y Clara la gallina cantante de ópera.

Durante todo este periodo se realizaron numerosos cortometrajes sobre cuentos y fábulas en technicolor. Algunas de ellas son: El patito feo (The Ugly Duckling, 1931), El taller de Santa Claus (Santa's Workshop, 1932), La cigarra y las hormigas (The Grasshopper and the Ants, 1934) o Conejete y Tortuguita (The Tortoise and the Hare, 1935).

Quizá la obra de estos primeros cinco años de la década que más repercusión tuvo fue Los tres cerditos (The Three Little Pigs, 1933), que se la consideró una parábola para combatir la crisis económica. De ahí que su canción ¿Quién teme al lobo feroz? se convirtiera en una especie de himno. Esta película de Fred Moore recibió un Oscar, lo que fue motivo para hacer una serie de tres capítulos.

Con el paso de los años, a partir de la segunda mitad de los treinta, Mickey fue perdiendo un poco el protagonismo, compartiéndolo más con sus compañeros. Además cambió su fisionomía, sus rasgos se hicieron más redondeados y perdió su cola. Se siguieron uniendo nuevos personajes como Mortimer, el ratón admirador (quizá un poco acosador) de Minnie; y Daisy, conocida como Donna Duck en 1937. A esta última se le considera la primera feminista de los dibujos animados. Los sobrinos de Donald, Jaimito, Juanito y Jorgito los crearon en 1938 y Butch, el bulldog enemigo de Pluto, vio la luz en 1939.

Blancanieves y los siete enanitos (Snow White and the Seven Dwarfs) se estrenó en 1937, pero Walt Disney estaba detrás de ella desde 1934. La película dirigida por David Hand, contó con un presupuesto inicial de medio millón de dólares, toda una fortuna para la época. United Artist se negó a financiar tal cifra, con lo que Disney tuvo que firmar un contrato de distribución exclusiva de sus cortos con RKO. La película está hecha con rotoscopia (la captura de movimiento para los dibujos animados) y se rodó con una cámara nueva, llamada Multiplane, que era capaz de crear profundidad de campo. Blancanieves fue la película más taquillera de la historia hasta Lo que el viento se llevó (Gone With the Wind, 1939). La película además, fue nominada a un Oscar por mejor banda sonora original.

En 1940, con el tirón de Blancanieves y con su nuevo estudio situado en la avenida Buena Vista de Burbank, se estrenaron Pinocho y Fantasía. Las dos de una calidad técnica mejorada a la de Blancanieves y las dos fueron un fracaso comercial por el inicio de la II Guerra Mundial. Pinocho ganó dos Oscar, uno por mejor canción y otro por mejor banda sonora original. Fantasía, por su parte, incorporó sonido estereofónico Fantasound.

Para finalizar, en estos años el estudio contaba ya con mil empleados y Ub Iwerks, el ex-socio y amigo de Walt, regresó a su lado. Debido a los problemas financieros, los hermanos Disney se vieron obligados a vender 600.000 acciones a cinco dólares cada una. En los siguientes años, se produjeron huelgas en el estudio. Disney respondió a esta situación intentando llegar al público latino, así que se marchó con su equipo. Dumbo y Bambi se estrenaron en las salas. Esto lo explicaremos con más detalle en la siguiente entrada.

Toda la información sacada pertenece al libro "Walt Disney 100 años de magia" publicado por El País Aguilar en 2001.

(Imágenes con derechos de autor (Disney)

El timing en animación y la carta de rodaje.

Como lo prometido es deuda, aquí os pongo la entrada interesante. Para mí, lo más importante y complicado de la realización de la animación es el timing. Éste se calcula antes de ponerse a animar nada, es la base de los movimientos. Podríamos decir que es el siguiente paso a seguir después de haber hecho todo el proceso de preproducción de la película.

El timing nos informa de cómo se desarrolla el movimiento y cómo se distribuye el tiempo entre las poses. Cuando se planifica el timing hay que tener en cuenta factores como la corpulencia del personaje, el estado de ánimo y el carácter. Los animadores para controlar bien el timing en muchas ocasiones, con cronómetro en mano, miden su actuación, que será el movimiento del personaje. El resultado cronometrado será una base para planificar el timing. Se recomienda interpretar la acción tres o cuatro veces más y sacar una media en segundos. El valor final se multiplicará por 24, los fotogramas de un segundo, y dará como resultado el número de fotogramas necesarios para animar.

La velocidad de una acción se caracteriza por la distancia relativa que exista entre un dibujo y otro. Nuestra acción será lenta cuanto más cerca estén unos dibujos de otros. Lógicamente para conseguir el efecto contrario habría que ser más brusco y meter menos dibujos por movimiento.

Se trabaja a “unos” y “doses” según el número de dibujos por fotograma. A “unos” quiere decir que es un dibujo por fotograma, lo que significa que si tenemos en cuenta lo mencionado anteriormente, dará la impresión de ser movimientos rápidos. A “doses” significa dos dibujos por fotograma, es decir, una acción más lenta y suave. Dependiendo de la intensidad de una acción podemos combinar “unos” y “doses” para recrearla más fácilmente.

A la hora de hacer un buen timing hay que considerar además del tamaño del plano y los movimientos de cámara, si hay otros personajes, pues en animación los movimientos son como un diálogo y no es bueno superponer el movimiento de un personaje con otro por largo tiempo. Los tiempo que se hagan sobre el movimiento de los personajes será por separado.

Una vez obtenido el timing, se anima siguiendo una carta de rodaje donde vienen recogidos todos los datos necesarios para que el animador pueda hacer bien su trabajo. La carta de rodaje es una tabla donde vienen organizados los contenidos en columnas y donde cada casilla corresponde a un fotograma.

La primera columna, Acting, es donde el director o el animador planifica la acción de la escena, determinan el tiempo necesario para cada acción y la interacción entre personajes y elementos.

Dial y Lip están destinadas al diálogo. En Dial aparece el texto que pronuncian los personajes. Lip establece la sincronía labial. La transcripción del diálogo a la carta la realiza el montador de sonido.

La columna Levels son las que el animador utiliza. Cada nivel estará destinado a un personaje distinto que salga del plano. FX será donde se especifiquen los efectos especiales.

Por último está Camera, donde se recogerán los movimientos de cámara que tendrá acción en el plano. Esta información la facilitará el operador de cámara.

Toda la información facilitada está sacada del libro El dibujo animado, de  Sergi Cámara. . E.D.: Parramón.

Requiestcat in pace

Hola a todos,

La verdad es que para esta mañana tenía pensado poner una cosa totalmente diferente y que aplazaré hasta la noche. Ahora mismo me gustaría contaros que mi mascota ha fallecido.
Seguro que esto es algo que os ha pasado a todos, desde niños hasta no tan niños. A mí se me ha muerto hoy mi perrita. Lo cierto es que la voy a echar mucho de menos pues el animalito estaba siempre haciéndote compañía y nunca ha dado guerra. Se me hace extraño no oírla o pensar que pueda estar en el descansillo y que, por desgracia, allí no se encuentre ahora ni lo vaya a estar más. La muerte lo que tiene es la añoranza. Lloramos o sentimos tristeza porque ese ser no estará entre nosotros y sólo nos queda su existencia en el pasado en forma de recuerdos. Seguramente acabe haciendo algo para rendirla homenaje, lo más probable un vídeo.

Hace poco he visto el trailer de Frankenweenie, la película que está dirigiendo Tim Burton, que aunque no es muy devoto mío, he de reconocer que la temática le va al pelo y que está bien hecha. Os lo pongo a continuación, junto con el cortometraje del que está inspirado, uno de los primeros del cineasta, y que si tenéis una edición buenilla del DVD Pesadilla antes de Navidad lo podéis ver bien.

Hasta esta noche y que paséis un buen día.

Y vuelta a la carga!

¡Hola! Después de mucho tiempo estoy de nuevo aquí.
La verdad es que desde el verano, no escribir nada es delito, pero es que necesitaba encontrarme a mí misma y saber qué hacer con mi vida. No lo he conseguido aún del todo, pero he avanzado mucho. En este tiempo he descubierto que no es todo lo que nos parece, que mchas veces hacemos nosotros un engaño para amoldar la vida a nuestro gusto, sea para bien o mal. He decidido que voy a hacer lo que me guste sin importar a quién. Tengo muchas cosas en mente y las voy a poner aquí. Así que lo que se me vaya ocurriendo lo pondré y lo compartiré. Seguiré poniendo cosas interesantes, pero según me apetezca, no como antes que intentaba poner una cosa para todos los días siguiendo un orden. Ahora, además, añadiré proyectos, que os los iré contando desde el inicio de la idea, para ver cómo lo hago. Seguro que hay mil caminos diferentes de conseguir el mismo propósito, así que cualquiera de ellos es bueno y si queréis sugerir algo diferente no hay problema. Pero ahora no creo que empiece nada demasiado ambicioso, sólo algunas pruebas sencillas.

¡Saludos y espero veros por aquí!