El tratamiento de los personajes

En realidad el cómic y el cine no son artes tan distantes y diferentes. A mi entender, el cine es el cómic en movimiento. Siendo la animación un cine basado en el dibujo, la cercanía entre un medio y otro es muy grande. Hoy hablaremos sobre el diseño de los personajes para un filme (largo o corto) de animación a través de las técnicas del cómic.

Aparte de la película "The Spirit", muy mala adaptación por su parte, no sé si conoceréis a un gran autor de cómic llamado Will Eisner. Fue el padre de la idea de esa película, vamos, es el autor del tebeo homónimo. Eisner escribió y dibujó un libro sobre teoría del cómic llamado El cómic y el arte secuencial. Teoría y práctica de la forma de arte más popular del mundo que está editado por Norma. En él nos muestra los diferentes conceptos teóricos del cómic a tener en cuenta. Nosotros nos centraremos en el capítulo cinco que trata sobre anatomía expresiva.

Eisner dice que el dibujante de cómics tiene que tener en mente un diccionario de gestos para poder aplicarlo a los diferentes momentos del relato, ya que una misma frase puede cambiar mucho de significado dependiendo de la posición del personaje. En animación es imprescindible conocer el lenguaje no verbal, puesto que nuestros personajes son actores igualmente y tienen que transmitir sentimientos y pensamientos, en algunas ocasiones contrarios a lo que dicen. No por ser más exagerado va a comunicar más, al contrario, cuanto más sutiles son las acciones, más creíble es la personalidad del muñeco. Copiando las palabras de Will Eisner en lo que se refiere a la posición del cuerpo que debe escoger el dibujante "dicha postura debe transmitir matices, apoyar el diálogo y transmitir un mensaje".

Además del movimiento, los animadores debemos tener en cuenta la entonación con que se dice una frase pues una pequeña diferencia puede cambiar el significado. El movimiento y el tono hacen que nuestro personaje refuerce el texto, que lo interprete y lo aclare, pues en cine, lo verdaderamente importante es la imagen. Para facilitar la expresión corporal, recomendaba Paul Wells, autor de Fundamentos de la animación que el animador debería realizar otras actividades artísticas relacionadas con el movimiento, como teatro o danza. Yo recomiendo una observación del mundo y de las personas. Fijaros en los que os rodean, cómo reaccionan ante una determinada situación e intentad plasmarla con lo que recordéis. El juego de miradas es muy importante en todo este lenguaje no verbal.

Centrándonos en la construcción del personaje, como decía Mario Minichiello, experto en dibujo narrativo con experiencia en el mundo televisivo y en prensa, "el personaje debe funcionar con y sin palabras. Éstas son las ideas que inspiran vida a un personaje y que dictan su aspecto, sus movimientos, cómo se pone de pie, su textura, su color, su temperamento, su hábitat y su relación ante el entorno. Este nivel de consideración debe aplicarse a todo lo que dibujamos". Debemos trabajar el personaje en su totalidad, desde las arrugas de la cara hasta la constitución corporal, teniendo en cuenta su personalidad. Una vez leí en un libro, que intenté recordar cuál era en varias ocasiones y que me fue imposible, que normalmente los personajes que tenían más frente que otros, significaba que eran personajes pensantes (pongamos como ejemplo a Megamind) y que si ocurría al contrario, un personaje con poco volumen craneal, era que no era muy lúcido y que si además tenía un mentón considerable, sería un personaje con mucha musculatura (para seguir con el ejemplo anterior, recordemos a Metroman, el antagonista de Megamind).

La línea de Osvaldo Cavandoli

Me gustaría poner como ejemplo de tratamiento el personaje de La línea de Osvaldo Cavandoli. Si no habéis visto nada, os enlazo un vídeo al final. El personaje de la línea es en realidad uno de los personajes animados más simples pero con una gran personalidad y es que el hombrecito tiene mucho genio. La línea es una serie de varios capítulos en los que vemos que, al comienzo, Cavandoli dibuja una línea continua con la silueta de un personaje. Este personaje empieza a andar por la línea mientras se topa con agujeros, objetos, otros personajes... e interactúa con Cavandoli.

Nuestro personaje se expresa a través de las manos, los brazos,el torso y la boca.  Sí que es verdad que no es que utilice rasgos sutiles para comunicarse, pero esto es para que produzca un efecto cómico. Su diseño es bastante esquemático y de trazos rectos, los cuales dan a entender una personalidad rígida, fuerte y algo gruñona. De toda su persona lo que más resalta es la nariz. Este rasgo puede dar a entender la expresión "de narices" cuando hablamos de algo muy grande o fuerte, aunque también puede referirse a la expresión "hinchársele las narices" cuando se está harto o cansado. Cuando cambian los estados de ánimo, también se modifica el color del fondo, relacionando al personaje con el entorno que lo rodea. Así que podríamos decir que el diseño y el modo de proceder del personaje de Osvaldo Cavandoli está estudiado para crear al personaje cascarrabias carismático que por sus exageraciones provoca la risa y nos recuerda a un niño caprichoso.

LA LÍNEA - Gracias a Misternatural por subir el vídeo (merci).


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