Animabasauri-Animabasque

Hoy hablaré brevemente del pasado Animabasauri-Animabasque (siento no haber informado antes pero desconocía su existencia), un certamen de animación celebrado en la ciudad bilbaína de Basauri. El de este año se ha celebrado entre el 1 al 7 de abril, y ha sido el séptimo desde su inauguración. Os dejo el catálogo para que le echéis una ojeada puesto que hay gran variedad de títulos presentados, tanto de largometrajes como de cortometrajes.

CATÁLOGO

Además en esta séptima edición estaba como país invitado Italia, que exhibiría tres películas:
- Historia de una gaviota (La gabbianella e il gatto), de Enzo D'alo
- Opopomoz (Opopomoz), de Enzo D'alo
- Allegro non troppo (Allegro non troppo), de Bruno Bozzetto

Además se proyectaron cortometrajes del país italianos y se hicieron dos retrospectivas a autores: Tim Burton y Pablo Llorens. Como es habitual en este tipo de certámenes se realizan proyecciones especiales llamadas "Cartoon d'or", talleres, seminarios o mesas redondas, exposiciones...

Debemos mencionar que si queréis participar en el concurso, tenéis que hacer caso a las bases que ellos proponen, como en todos los concursos, y enviarlo en el plazo adecuado, que podría rondar a principios de año.

Vamos, que Animabasauri-Animabasque lo tiene todo y no se puede decir que sea un festival sin importancia. La pena es no haberlo sabido con antelación. Espero que para próximos eventos no ocurra y si vosotros sabéis de más festivales/concursos animaos a escribir a animacionurjc@gmail.com
Os pongo la dirección para más información aquí y en Concursos.

ANIMABASAURI-ANIMABASQUE

Un saludo.

La creación musical

Ante todo, he de comunicaros que seguiré un poco ausente del blog hasta principios de mayo, puesto que sigo con el periodo de exámenes.

Esta entrada la quiero dedicar a la música que queráis meter en vuestros proyectos. El audio es tan importante como el vídeo, o incuso más, porque un vídeo lo podemos ver sin música sin problemas pero si ese audio tiene mucho ruido o es incomprensible supone una traba en la visualización.

Yo utilizo para crear piececitas cortas un programa llamado Musicshake. Está muy bien, aunque tiene sus fallos como todo. El principal es que no se puede exportar la música creada directamente desde el programa. Para ello utilizo un programa que captura audio de otras aplicaciones: All2WAV Recorder. Musicshake es un programa de fácil funcionamiento ya que te vienen los acordes y las músicas ya creadas, lo único que para crear una nueva melodía tienes que mezclarlo. Sí que es verdad que es un programa muy intuitivo y que no sacas siempre el resultado esperado... Pero con tiempo es posible sacar un resultado bueno. Para que tengáis en mente cómo es el programa, es como los compositores de los móviles pero con alguna que otra variable. La biblioteca de músicas es amplia y cambia según los estilos que queráis poner.

Os paso las direcciones de los dos a través de Softonic por aquí. Espero que os sirva.

Que paséis buenas vacaciones de Semana Santa.

MUSICSHAKE

ALL2WAVRECORDER

Cerrado por vacaciones

Hola a todos los que os pasáis de vez en cuando, o no, por este pequeñito espacio.

"Cerrado por vacaciones" es lo típico que se pone cuando te vas en agosto. En mi caso es al revés, cierro por estar ocupada. Siento deciros que me va a ser muy difícil actualizar en estos días, puesto que estoy de exámenes y trabajos de la universidad. Como sabéis es muy complicado tener tiempo libre por estas fechas porque somos un poco mal organizados en general y siempre andamos corriendo en los últimos momentos.

Espero que no os moleste este pequeño lapsus de tiempo posteando menos a menudo (dos, tres veces por semana como mucho), hasta que tenga un poco de tiempo en vacaciones, y sobre todo, a principios de mayo que estaré bastante más libre retomando el blog de manera más constante. Es lo malo de haber empezado a las puertas de fechas de exámenes.

Al menos, para que no sea solo un post para deciros lo ocupada que estaré, os paso información interesante para el próximo año si estudiáis en la Universidad Rey Juan Carlos. El profesor Alfonso Cuadrado ha preparado unos talleres de animación 3D para el curso 2011-2012. Uno es de iniciación, con créditos y gratuito, y el otro es un taller más de toma en contacto que cuesta 180 euros. Los he visto por encima y no pintan mal. Os paso la página donde podéis informaros más a fondo sobre estos talleres.

TALLERES ANIMACIÓN 3D URJC

Además, durante esta espera de tiempo estaré trabajando para traer secciones distintas a lo largo de la semana con colaboradores, que no serán muy normales. El casting empezará, seguramente, durante esta Semana Santa. Os mantendré al tanto.

¡Un saludete!

El tratamiento de los personajes

En realidad el cómic y el cine no son artes tan distantes y diferentes. A mi entender, el cine es el cómic en movimiento. Siendo la animación un cine basado en el dibujo, la cercanía entre un medio y otro es muy grande. Hoy hablaremos sobre el diseño de los personajes para un filme (largo o corto) de animación a través de las técnicas del cómic.

Aparte de la película "The Spirit", muy mala adaptación por su parte, no sé si conoceréis a un gran autor de cómic llamado Will Eisner. Fue el padre de la idea de esa película, vamos, es el autor del tebeo homónimo. Eisner escribió y dibujó un libro sobre teoría del cómic llamado El cómic y el arte secuencial. Teoría y práctica de la forma de arte más popular del mundo que está editado por Norma. En él nos muestra los diferentes conceptos teóricos del cómic a tener en cuenta. Nosotros nos centraremos en el capítulo cinco que trata sobre anatomía expresiva.

Eisner dice que el dibujante de cómics tiene que tener en mente un diccionario de gestos para poder aplicarlo a los diferentes momentos del relato, ya que una misma frase puede cambiar mucho de significado dependiendo de la posición del personaje. En animación es imprescindible conocer el lenguaje no verbal, puesto que nuestros personajes son actores igualmente y tienen que transmitir sentimientos y pensamientos, en algunas ocasiones contrarios a lo que dicen. No por ser más exagerado va a comunicar más, al contrario, cuanto más sutiles son las acciones, más creíble es la personalidad del muñeco. Copiando las palabras de Will Eisner en lo que se refiere a la posición del cuerpo que debe escoger el dibujante "dicha postura debe transmitir matices, apoyar el diálogo y transmitir un mensaje".

Además del movimiento, los animadores debemos tener en cuenta la entonación con que se dice una frase pues una pequeña diferencia puede cambiar el significado. El movimiento y el tono hacen que nuestro personaje refuerce el texto, que lo interprete y lo aclare, pues en cine, lo verdaderamente importante es la imagen. Para facilitar la expresión corporal, recomendaba Paul Wells, autor de Fundamentos de la animación que el animador debería realizar otras actividades artísticas relacionadas con el movimiento, como teatro o danza. Yo recomiendo una observación del mundo y de las personas. Fijaros en los que os rodean, cómo reaccionan ante una determinada situación e intentad plasmarla con lo que recordéis. El juego de miradas es muy importante en todo este lenguaje no verbal.

Centrándonos en la construcción del personaje, como decía Mario Minichiello, experto en dibujo narrativo con experiencia en el mundo televisivo y en prensa, "el personaje debe funcionar con y sin palabras. Éstas son las ideas que inspiran vida a un personaje y que dictan su aspecto, sus movimientos, cómo se pone de pie, su textura, su color, su temperamento, su hábitat y su relación ante el entorno. Este nivel de consideración debe aplicarse a todo lo que dibujamos". Debemos trabajar el personaje en su totalidad, desde las arrugas de la cara hasta la constitución corporal, teniendo en cuenta su personalidad. Una vez leí en un libro, que intenté recordar cuál era en varias ocasiones y que me fue imposible, que normalmente los personajes que tenían más frente que otros, significaba que eran personajes pensantes (pongamos como ejemplo a Megamind) y que si ocurría al contrario, un personaje con poco volumen craneal, era que no era muy lúcido y que si además tenía un mentón considerable, sería un personaje con mucha musculatura (para seguir con el ejemplo anterior, recordemos a Metroman, el antagonista de Megamind).

La línea de Osvaldo Cavandoli

Me gustaría poner como ejemplo de tratamiento el personaje de La línea de Osvaldo Cavandoli. Si no habéis visto nada, os enlazo un vídeo al final. El personaje de la línea es en realidad uno de los personajes animados más simples pero con una gran personalidad y es que el hombrecito tiene mucho genio. La línea es una serie de varios capítulos en los que vemos que, al comienzo, Cavandoli dibuja una línea continua con la silueta de un personaje. Este personaje empieza a andar por la línea mientras se topa con agujeros, objetos, otros personajes... e interactúa con Cavandoli.

Nuestro personaje se expresa a través de las manos, los brazos,el torso y la boca.  Sí que es verdad que no es que utilice rasgos sutiles para comunicarse, pero esto es para que produzca un efecto cómico. Su diseño es bastante esquemático y de trazos rectos, los cuales dan a entender una personalidad rígida, fuerte y algo gruñona. De toda su persona lo que más resalta es la nariz. Este rasgo puede dar a entender la expresión "de narices" cuando hablamos de algo muy grande o fuerte, aunque también puede referirse a la expresión "hinchársele las narices" cuando se está harto o cansado. Cuando cambian los estados de ánimo, también se modifica el color del fondo, relacionando al personaje con el entorno que lo rodea. Así que podríamos decir que el diseño y el modo de proceder del personaje de Osvaldo Cavandoli está estudiado para crear al personaje cascarrabias carismático que por sus exageraciones provoca la risa y nos recuerda a un niño caprichoso.

LA LÍNEA - Gracias a Misternatural por subir el vídeo (merci).


¡Un cordial saludo!

Unas breves bases de dibujo

Hay quien piensa que para hacer animación, sobre todo si es de 3D digital, no hace falta tener ningún conocimiento de dibujo o de escultura. Sinceramente discrepo, pero por una sencilla razón: para conocer bien el mundo primero hay que detenerse a observarlo, y qué mejor forma de hacerlo que dibujándolo. Seguramente habrá quien esté leyendo y piense que no tiene idea de dibujo y que apenas se acuerda de lo que daba en el colegio. No te preocupes si te ves en esta situación, ya que, como se comentaba en la anterior entrada, todos podemos aprender si nos lo proponemos. Si no te ves en esta situación, sólo puedo decirte que sigue así, no dejes de practicar.

En realidad, aprender a dibujar o a esculpir no es tan complicado y no es necesario dejarte mucho dinero en clases. Es recomendable que alguien te enseñe, pero simplemente porque será capaz de ver desde una visión más objetiva qué fallos has tenido. Si no puedes, por tiempo o dinero, debes de realizar una gran labor autocrítica. Pero sin duda, en ambos casos, es darle mucho al lápiz y al bloc. Yo aprendí haciendo durante todo un año un dibujo al día, aproximadamente.

Lo más complicado del dibujo es el encaje, pero es la base. Encajar es componer en el papel, decidir qué va a aparecer en ese lugar delimitado. Si te cuesta la composición, coge un acetato del tamaño de un A-6 (mitad de cuartilla) y dibuja unas líneas que lo atraviesen por el dentro con una recta vertical, horizontal y de esquina a esquina. Esto será tu visor, una ventana que será la representación del papel, es decir, cumple la misma función que una fotografía que es otra forma de composición para principiantes.
Una vez que sabemos qué vamos a plasmar, lo suyo es poner las líneas del visor en el papel, así podremos copiar por dónde queda cada objeto. Esto se hace con un boceto rápido, no entres en detalles, sólo dibuja un poco el contorno. En el dibujo, se piensa del todo a los detalles.

Peter Gray. Aprender a dibujar

Si queremos dibujar un vaso de vidrio en posición normal, al ser un objeto simétrico debemos hacerle un eje. Este eje servirá para que nuestro vaso no esté torcido y quede igual de los dos lados. Ahora viene la medición a ojo. Es sencilla pero cuesta un poco cogerle el truco. Se recomiendo normalmente coger un objeto largo, fino y de diámetro constante, como una aguja de punto en la mano que utilicemos para dibujar (a mi me resulta más cómodo), extendemos todo el brazo y cerramos un ojo. Esto se hace así para tener una medida constante (brazo extendido), además de poder ver el objeto con menos volumen (ojo cerrado). De nuestro vaso real, cogemos el ancho, por ejemplo, que llevamos desde la base hasta el borde que será la línea superior y contamos. Generalmente los vasos son como una especie de cuadrado. En la lámina del dibujo, hacemos un ancho que sea igual a los dos lados del eje y de la misma manera que hemos cogido el ancho del vaso cogemos ahora el ancho que hemos trazado que lo repetiremos tantas veces como hemos contado en el original trazando esa especie de cuadrado. En el interior dibujaremos el vaso, con la línea inferior y superior como tope.

Para lo que sería el borde y la base, no debemos pensar que son un círculo, sino una elipse ya que con la perspectiva se deforma. Con el método de medición a ojo, podemos coger como referencia el alto de esa elipse y reflejarlo en nuestro vaso en el papel. Otra opción es hacerse una perspectiva intuitiva e ir rectificando. Las elipses siguen una regla: cuanto más cerca del centro del ojo estén, más cerradas serán; mientras que cuanto más por debajo del dentro del ojo se encuentren serán más abiertas. Teniendo las dos elipses, es fácil unir los bordes del vaso que deberían de ser rectos (depende del modelo del vaso).

Si queréis aprender más de estas cosas existen numerosos libros en el mercado que van bien como consulta. Uno de los más completos que he encontrado es éste, además es de donde he sacado la primera fotografía:


TÍTULO: Aprender a dibujar. Guía práctica de dibujo para principiantes y avanzados.
AUTOR: Gray, Peter
AÑO: 2007
EDITORIAL: Evergreen

Que paséis un buen fin de semana.

Creatividad, el inicio de un proyecto

Todo proyecto parte de una idea, una idea que se ha forjado a partir de una opinión, una imagen, un sentimiento. Pero sin la creatividad no seríamos capaces de darle forma a ese proyecto. Muchas veces escuchando una canción o viendo las personas que andan por la calle se nos ocurre una idea. Esa idea empieza a dar vueltas en nuestra cabeza y en la mayor parte de las ocasiones, acaba siendo una cosa completamente diferente. A mi me gusta llevar encima un cuaderno y un lápiz para poder apuntar aquello que me interesa. Si no lo llevo a mano, lo intento apuntar o mantener en la cabeza.

El problema es que muchos que quieren hacer algo relacionado con enseñanzas artísticas, piensan que se nace con ese don. En realidad es como todo, mucho trabajo. Sí que es verdad que no nos dicen que alguien como Miguel Ángel podría pasarse en su estudio día y noche para sacar sus obras, con muchas pruebas erróneas. Pero estoy segura de que eso era lo que ocurría. No hay que pensar que las personas que se dedican a crear arte son como extraños, que nunca podremos llegar a ese nivel. Y ya no solo en enseñanzas artísticas, sino en todas las enseñanzas.

También es cierto que hay que dedicar mucho tiempo y querer aprender. Un ejercicio que utilizo mucho para dejar libre la imaginación es hacer un garabato en un papel, con los ojos cerrados. Cuando terminemos, hay que darle vueltas hasta que veamos algo. En cuanto lo veamos, empezar a plasmarlo, completarlo, colorearlo o poner papeles o recortes. Otro ejercicio similar es pararte a ver una superficie con manchas, arrugas o similar y cuando lleves un tiempo observando habrá imágenes que se vendrán a la mente. ¡Plásmalas! En cualquier parte, de cualquier manera. Si te gusta sigue trabajando en ello.

Me gustaría que vierais un vídeo del programa de Eduardo Punset, Redes sobre la creatividad. Para que, si de verdad os gusta algo, no os paréis, aunque no salga bien al principio. Las cosas no son fáciles a la primera siempre.
TODOS TENEMOS LA CAPACIDAD DE SER CREATIVOS


¡Pasad un buen día animadores!